Voici un tutoriel réalisé par Mathurin du Bouetiez. Vous apprendrez à copier et transformer une photo et à utiliser les pinceaux de Photoshop. Composez une illustration de type fantasy dans un style réaliste.
L’illustration que nous allons apprendre à réaliser dans ce tutoriel fait référence au (vaste) monde et aux codes de la fantasy. J’ai choisi, comme souvent, une approche réaliste car c’est un style avec lequel je suis plus à l’aise, mais rien ne vous empêche de conserver votre “patte”. En effet, la catégorie fantasy à laquelle appartient cette illustration nous offrant de nombreuses possibilités d’improvisation, nous ne serons pas enfermés dans un simple exercice de copie. Le principe de l’exercice auquel nous allons nous livrer est de mettre en place de bonnes bases de composition, d’anatomie et de perspective avant de laisser libre cours à notre imagination.
NOTRE EXPERT
Formé aux arts graphiques et à l’animation 3D, Mathurin du Bouetiez est à la fois story-boarder, illustrateur et concept artist indépendant. Il a 25 ans et vit à Paris où il travaille depuis septembre 2009. www.mathurindubouetiez.com
01 Avant-propos
Dans un premier temps, observez l’image de référence dont vous vous servirez comme base de travail. Le personnage est situé à droite de la photographie, qui se présente en mode paysage. Placé presque à l’intersection des lignes de perspective de l’image, il est ainsi mis en valeur dans la composition. La particularité de cette image est la lumière venant de la droite. D’ordinaire, on accorde une place plus importante à la partie du sujet qui se trouve dans la lumière, ceci afin de laisser respirer l’image. Ici, c’est le contraire, mais nous verrons un peu plus loin comment utiliser cette singularité à notre avantage.
02 Prémices
La première chose à faire est d’installer la perspective. Du coin inférieur gauche part une droite qui coupe le côté droit de l’image en son milieu. Une fois cette ligne tracée, reproduisez le plus fidèlement possible l’agencement des autres en vous assurant que l’ensemble de ces droites se coupent en un même point, situé en dehors de l’image. C’est le point de fuite (faites-le mentalement, ou placez une feuille de papier à droite de votre écran et prolongez les lignes dessus.)
03 Premières valeurs
Afin de bien mettre les choses en place sur le plan de l’ambiance colorée comme sur le plan de la composition, nous allons immédiatement poser les premières couleurs. Ceci nous aidera par la suite à garder une palette de couleurs homogène. Remarquez que les couleurs de l’escalier sont de plus en plus désaturées en allant vers la droite : c’est un effet de profondeur qu’il est important d’incorporer à votre illustration, tout comme le flou de l’arrière-plan. Grâce à cela, votre image semblera moins plate, et l’on ressentira les différents plans qui composent l’espace.
04 La silhouette
Ébauchons maintenant la silhouette du personnage. Servez-vous des lignes de perspective pour la situer correctement. Les épaules, par exemple, sont situées sur une même droite, et le sujet doit être contenu dans la moitié droite de l’image. Gardez un tracé simple et dynamique, sans entrer dans les détails pour l’instant. Vous pouvez donner quelques indications de couleurs et de lumière pour une meilleure lisibilité.
05 Simplicité, efficacité
Précisez les formes, accentuez les contrastes, enrichissez les couleurs, nuancez les valeurs. Ce travail doit être effectué simplement, dans la continuité de ce que vous avez fait jusqu’à présent. Progressez lentement, réfléchissez à la manière dont vous allez représenter quelque chose avant de le dessiner. Et surtout, prenez du plaisir à le faire. Si cela devient laborieux, faites une pause : vous aurez un regard neuf lorsque vous reprendrez votre travail.
06 Avec douceur
Créez un nouveau calque en mode de fusion Lumière tamisée et remplissez-le avec une valeur de bleu de votre choix pour homogénéiser l’ensemble de l’image. Si vous avez séparé en plusieurs calques votre tracé et vos couleurs, diminuez l’opacité du premier, ou supprimez-le complètement pour ne garder que les masses formées par les couleurs. Si vous avez tout fait d’un bloc, faites déborder vos couleurs en “rentrant” dans les traits pour obtenir un résultat équivalent. L’image devrait s’en trouver sensiblement adoucie.
07 Symétrie
Appliquez à présent à votre image une symétrie horizontale (Edition> Transformation> Symétrie axe horizontal). Les défauts de votre dessin devraient maintenant apparaître beaucoup plus clairement. Profitez-en pour affiner vos tracés et choisir des couleurs plus franches pour la peau, par exemple. Cela fera ressortir le personnage. N’hésitez pas à utiliser l’outil Doigt pour déplacer avec douceur des zones de votre dessin. C’est très utile pour corriger d’éventuels problèmes de proportions.
08 Quelques détails…
Ajoutez quelques éléments pour préciser ce qui est important, en l’occurrence le personnage. Esquissez la ceinture, placez les rayures du vêtement en respectant le volume et les plis, signalez discrètement un liseré de lumière sur le haut des cheveux… sans alourdir l’ensemble. Travaillez les effets lumineux tels que les halos de lumière avec de très larges brosses presque transparentes sur des calques séparés.
09 Quelques détails… 2
Avec une petite forme dure et foncée (mais surtout pas noire), accentuez légèrement les ombres fortes telles que celle provoquée par la manche du vêtement sur le haut de l’épaule. Allez-y doucement, il serait dommage d’écraser la lumière de votre dessin sous de grosses taches noires ! Affinez les détails de la ceinture sans pour autant plonger dans l’hyperréalisme, et esquissez quelques effets de matière sur l’escalier.
10 Texture
Pour éviter l’aspect trop lisse caractéristique des peintures numériques, vous pouvez utiliser une texture de papier, ou n’importe quelle matière en mode de fusion Lumière tamisée. À vous de régler l’opacité du calque, la teinte et les niveaux de votre texture pour obtenir un effet intéressant mais subtil. Il faut simplement donner de la matière à l’image et non la surcharger. Une rapide recherche sur Google (cherchez “old paper” ou “granit” dans la catégorie Grandes images) devrait suffire à trouver votre bonheur. Gardez les textures que vous utilisez, elles pourront vous être utiles pour de futures créations.
11 Ajouter des ailes
Passons maintenant à l’improvisation. Comme vous le voyez, la photographie dont nous nous servons comme référence n’est pas centrée. Cela ne veut pas dire qu’elle est mal composée, au contraire, mais nous allons nous servir de cette particularité pour ajouter un élément fantaisiste à notre image : des ailes. Utilisez la photo de l’oiseau comme modèle et, comme pour le personnage, esquissez d’abord une rapide structure au moyen de simples coups de pinceau. Restez fidèle à votre palette de couleurs : ombres bleues et magenta, lumières ocre jaune tirant sur le rose.
12 Détailler les ailes
Étudiez la structure générale des ailes de l’oiseau : les plumes partent d’un même membre articulé et se courbent légèrement sous l’effet de la gravité. Retranscrivez cette mécanique de manière à ce que l’on puisse l’imaginer en mouvement. Gardez un trait fluide et ample pour faire comprendre la légèreté des ailes.
13 Travail des couleurs
Un nouveau calque en Lumière tamisée va vous permettre de donner une teinte plus saturée à votre illustration. Ici, j’ai voulu m’écarter d’un éclairage réaliste en acidulant les couleurs : l’ambiance légèrement cyan devient magenta, et la lumière jaune pâle tire maintenant franchement sur le rose. Vous pouvez gommer ce nouveau calque par endroits afin de révéler les zones plus grises du calque précédent. Cela peut être intéressant pour renforcer l’effet de profondeur recherché au début (plus on regarde loin, moins les couleurs seront saturées).
14 Le visage
Zoomez un peu dans l’image pour travailler le visage et les mains plus confortablement. La partie faciale n’est pas très difficile, car il s’agit d’un profil et les cheveux en cachent une grande partie. Un coup de pinceau pour l’œil et un liseré de lumière pour le nez suffiront à modeler un visage convaincant. Les mains demanderont un peu plus de temps, mais là encore, avec quelques coups d’une brosse très claire sur les articulations des doigts, les volumes apparaîtront.
15 Finition
Quelques taches d’usure sur l’escalier, quelques mèches de cheveux volant au vent, des éclats de lumière sur les parties importantes… vous arrivez au bout ! Pour obtenir un effet de halo (sur les ailes par exemple), voilà une bonne astuce : sur un nouveau calque, tracez un trait de couleur claire, ou presque blanc. Dupliquez maintenant ce calque et appliquez un filtre Flou gaussien (Filtre> Atténuation> Flou gaussien) à celui d’en dessous. Réglez l’opacité des calques selon votre goût.
16 Épilogue
Pour finir, j’ai ajouté quelques filaments brillants aux ailes afin de donner un effet plus surréel. À ce stade, vous pouvez personnaliser votre travail comme bon vous semble : particules lumineuses dans l’air, pluie, neige… tout est permis. Voilà, c’est terminé ! Merci d’avoir suivi ce tutoriel, j’espère qu’il vous aura été utile, et n’oubliez pas de dessiner régulièrement !
POUR EN SAVOIR PLUS
Le cercle chromatique
Le cercle chromatique est un outil indispensable pour une bonne gestion des couleurs. Il permet de connaître la complémentaire de toutes les couleurs perceptibles par l’œil humain. Les couleurs complémentaires sont utilisées en peinture pour assombrir une couleur sans utiliser de noir. Ainsi un élément de couleur jaune pourra être assombri en ajoutant plus ou moins de violet.
Traditionnellement, on utilise une couleur pour la lumière et sa complémentaire pour les ombres. Mais bien que ce système constitue une bonne base, il est recommandé de s’en écarter une fois les rudiments appris afin de découvrir de nouvelles possibilités.
(L’illustration de ce tutoriel repose sur une dualité orange/magenta, version légèrement différente du classique bleu/orange.)
Lumières chaudes/ombres froides
Les couleurs du cercle chromatique peuvent être classées en couleurs chaudes (qui évoquent le feu, le soleil) et couleurs froides (qui évoquent l’eau, la glace).
Les couleurs limites (le vert-jaune, le violet) seront classées chaudes ou froides par contraste avec leur environnement : à côté d’un bleu, le violet paraîtra chaud. Inversement, on le trouvera froid à côté d’un orange.
Pour obtenir une ambiance colorée convaincante, cette astuce est infaillible. Vous pouvez également l’inverser (lumières froides/ombres chaudes), ça marche à tous les coups !
