WIP – Alexandre Dainche

Alexandre Dainche nous dévoile ici les coulisses d’une de ses créations à la peinture sous Photoshop. Décortiquons avec lui cette illustration fantasy.




01 Le crayonné
Lorsque vous crayonnez directement à l’écran et que vous souhaitez par la suite affiner ledit crayonné, il vous suffit de dupliquer votre rough de base en faisant un clic droit sur l’image, puis de nommer le calque ainsi créé “crayonné base”, par exemple.
Diminuez ensuite l’Opacité de ce nouveau calque à 40-45 %, ce qui a aura pour effet d’éclaircir le dessin (n’oubliez pas d’effacer ensuite le dessin en arrière-plan afin de tout bien mettre au propre). Créez enfin un autre calque et appelez-le “crayonné final”. Ainsi vous pourrez affiner votre crayonné en ayant toujours en arrière-plan votre base en filigrane.



02 Appliquer une couleur de base
Lors de votre recherche d’ambiance colorée, l’outil Dégradé est bien pratique pour obtenir une bonne mise en place préliminaire des teintes sur l’ensemble du dessin. Une fois votre crayonné achevé, aplatissez tous vos calques. Créez-en un nouveau et nommez-le “colo base”. Dans cet exemple, l’arrière-plan sera assez lumineux et présentera une gamme de couleurs plutôt froides, tandis que l’avant-plan, par opposition, sera plutôt sombre avec des couleurs assez chaudes. Il s’agit là d’une règle de base assez simple pour obtenir un beau contraste et une profondeur de champ satisfaisante. Je choisis mes teintes, puis je place mon dégradé de façon à ébaucher l’ambiance lumineuse de l’illustration.



03 Placement des teintes
Par la suite, avec un pinceau standard, je peaufine le placement des teintes pour plus de logique (arrière-plan = couleur froide ; avant plan = couleur chaude). On obtient ainsi une bonne première vision globale de ce que pourra rendre l’ambiance finale.



04 Utilisation des niveaux de gris
N’hésitez pas à mettre votre illustration en niveaux de gris durant le processus de colorisation. Cela permet de vérifier si l’équilibre graphique est là, si les contrastes sont pertinents et possèdent assez d’impact.
Un dessin couleur ne permet pas forcément de toujours bien se rendre compte de cela. Les niveaux de gris, du fait de leur monochromie, nous offrent une meilleure vue d’ensemble et permettent de se concentrer uniquement sur les contrastes. Ainsi, on est moins perturbé ou influencé par une éventuelle débauche de couleurs vis-à-vis de laquelle il peut être parfois difficile de prendre du recul, surtout si cela fait de nombreuses heures que l’on travaille sur son illustration.
Par la suite, avec l’habitude, vous utiliserez cette petite astuce peut-être un peu moins systématiquement, mais sur certains sujets elle demeure toujours bien précieuse.

 

05 Jouer avec le mode Superposition
Si votre dessin manque malgré tout de contraste, de profondeur ou d’impact par endroits, essayez le mode Superposition. Détourez l’élément que vous souhaitez intensifier, créez un calque par copier puis réglez la fusion sur Superposition. Cela aura pour effet d’éclaircir intensément l’élément choisi. Bien sûr, il faut ensuite jouer avec l’opacité en la diminuant jusqu’à trouver la bonne intensité pour votre illustration, puis gommer les zones d’éclaircissement superflues. Attention de ne pas en abuser, restez parcimonieux avec ce genre de raccourcis qui tient davantage de l’astuce de secours. Il peut énormément détériorer la zone affectée et, de manière générale, rien ne vaut des valeurs travaillées avec finesse et équilibre en amont.

 

06 Teinte et finition
Lorsque votre illustration est bien avancée et que malgré tous vos efforts les teintes ne vous satisfont pas encore tout à fait, il existe un petit moyen parmi d’autres pour remédier à cela. Créez un calque, choisissez la couleur que vous souhaiteriez ajouter à l’ensemble du dessin en fonction de l’ambiance recherchée, puis mettez-le en mode de fusion Teinte. Baissez l’opacité jusqu’à obtention de l’effet désiré. Généralement une valeur comprise entre 20 et 35 % assure une certaine subtilité, additionnant la couleur choisie modérément sans altérer à l’excès vos teintes précédentes. Parfois cela peut aider grandement à finaliser une illustration et peaufiner une ambiance. Cette même astuce peut également s’appliquer par touches locales.

 

07 Créer votre feu
L’intensité maximale d’un feu est toujours concentrée à sa base. En conséquence, lorsque vous voulez obtenir un effet “feu”, placez la teinte la plus claire, un jaune blanc, à la source. Et plus vous vous éloignerez de cette base, plus les teintes seront chaudes et rougeoyantes. Cela vaut également pour les interactions entre votre feu et les éléments qui l’entourent (décor ou personnages). Suivant la distance, le feu se reflètera avec plus ou moins d’intensité. Comme tous les effets élémentaires, un feu n’est jamais aussi réussi que lorsque le principe d’interaction est convaincant.
Personnellement, lorsque je dessine un feu, j’utilise une forme de pinceau plutôt dure avec un Flux et une Opacité d’environ 60 %. La tentation d’utiliser un pinceau plus flou est piégeuse car elle fait perdre corps et puissance à votre effet.

 

08 Utilisation des couleurs pour un effet de perspective
Parlons un peu d’effets de perspective et d’intégration de personnages. Sur l’illustration donnée ici en exemple, il y a un effet d’éloignement de la queue du dragon. Cette astuce vaut pour ce cas, mais également pour chaque élément dont vous désirez assurer une bonne intégration en perspective. Ici, j’ai donc joué simplement de la palette et du pinceau, mélangeant la couleur de base de mon dragon à celle de mon arrière-plan. J’ai obtenu ainsi une teinte plus pâle, chargée en bleu/vert qui donne cette impression que la queue de la créature se “dissout” progressivement dans l’arrière-plan. Les couleurs d’un sujet, quel qu’il soit, vivant ou objet, sont toujours soumises à l’influence des couleurs de l’environnement où il se trouve. En gardant bien cette astuce en tête, on s’assure, outre une meilleure intégration de ses éléments, davantage de crédibilité et de vie dans ses ambiances.

 

Son portfolio

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